格哈德·里希特（Gerhard Richter）在他享誉全球的60年职业生涯中，尤其是在第二次世界大战后的德国社会中，他既运用表象表达又运用抽象来对付个人历史，集体记忆和身份认同。

目前在纽约大都会博物馆等展览“格哈德·里希特：终究是绘画”则是近二十年来其在美国的第一场重要展览，也是近期纽约大都会博物馆的展览亮点（因疫情原因目前为线上观展）。

近期，纽约大都会博物馆出版编辑部，编辑营销和权利经理瑞秋·海伊（Rachel High）与博物馆现代与当代艺术部策展人希娜·瓦格斯塔夫（Sheena Wagstaff）和布林达·库玛（Brinda Kumar）进行了对谈，谈及了里希特与绘画传统的互动，与摄影的关系，以及其艺术作品在当下越来越显得重要的原因。

2020年3月4日，“格哈德·里希特：终究是绘画”(Gerhard Richter: Painting After All)在纽约大都会艺术博物馆在布鲁尔分馆（Met Breuer）开幕。这是现年88岁的里希特在美国的第一次大型展览，涵盖里希特长达60年的创作生涯，展出100多幅作品，涉及摄影与肖像，自然主义与抽象主义。

格哈德·里希特

格哈德·里希特（Gerhard Richter，出生于1932年，德国），在他享誉全球的60年职业生涯中，尤其是在第二次世界大战后的德国社会中，他既运用表象表达又运用抽象来对付个人历史，集体记忆和身份认同。而他的展览“格哈德·里希特：终究是绘画”(Gerhard Richter: Painting After All)则是近二十年来该艺术家在美国的第一场重要展览，也是近期纽约大都会博物馆的亮点。

展厅现场

此次展览由大都会现当代艺术主管希娜·瓦格斯塔夫（Sheena Wagstaff）和艺术史学家本杰明·H·D·布赫洛 (Benjamin H. D. Buchloh)共同组织策划，大都会艺术博物馆助理策展人布林达·库马尔（Brinda Kumar）协助了策划工作。

虽然博物馆因疫情而关闭，但并不妨碍线上的数字观展和展览图录的出版。近期，在展览图录出版之际，大都会博物馆出版编辑部、编辑营销和版权经理瑞秋·海伊（Rachel High）与博物馆现代与当代艺术部策展人希娜·瓦格斯塔夫（Sheena Wagstaff）和助理策展人布林达·库玛（Brinda Kumar）进行了对谈，谈及了里希特与绘画传统的互动，与摄影的关系，以及其艺术作品在当下越来越显得重要的原因。

对谈：

瑞秋·海伊（出版编辑部）：多年来，许多艺术家和评论家都宣布绘画已死，但媒介一直是里希特实践的中心。此次展览的副标题和图录“终究是绘画”表明，尽管有某些力量在与绘画作斗争，但绘画还是可以忍受的。 这一标题如何体现绘画在里希特作品中的作用？

希娜·瓦格斯塔夫（策展人）：这句标题其实来自于里希特自己，他自己想出来的。这是一个细微的短语，具有多种不同的含义。它可以表示绘画的忍耐力，但是我们在展览中涵盖的主题之一是绘画面对历史记忆以及集体和个人创伤实例的能力。在这种情况下，标题最终所展现的是一个问题：绘画是否能够处理那些普遍的观念，或者只能是绘画？

此外，另一种含义则使人感到沮丧：在人类经历了所有事情之后，绘画仍然存在。 在经历了一切之后，即使我们的个人生命终结了，绘画仍然可以作为我们集体忍耐力的证据。这也许是对艺术家对自己以及我们的死亡意识的评论。最后，里希特在不同媒介，包括版画，照片，新技术、甚至是玻璃雕塑中的迭代最终都与绘画有关。 终究是绘画。

展览现场，里希特“ 比克瑙（Birkenau）”系列

布林达·库玛（助理策展人）：展览的核心是一个特别的标题系列：the Birkenau cycle。 比克瑙（Birkenau）是基于法国艺术史学家乔治·迪迪·哈伯曼（Georges Didi-Huberman）所著的《尽管有全部图片》所做的讨论。 展览的副标题可以表示“尽管如此”，“毕竟”或什至“高于一切”，这取决于它的解释方式，这表明翻译问题也存在更倾斜的联系。实际上，翻译是里希特艺术计划的重要组成部分。 例如，里希特称他的作品为“abstrakte bilder”，但在德语中，它们是抽象的“bilder”。在德语中，“bilder”既指图片，也指绘画。因此，绘画与图片的关系也是里希特通过他的实践所探索的东西。

希娜·瓦格斯塔夫：一张图或照片和一幅画实际上是截然不同的实体，而一个图像却可以是两者。

瑞秋·海伊：有趣的是，将图片与绘画的概念联系到一起的是大都会摄影部组织的展览和书籍《上世纪的摄影》（ Photography"s Last Century）。《上个世纪的摄影》讨论了整个二十世纪媒介的变化，从摄影本身已被认可为一种艺术形式到从电影至数字成像的过渡。里希特在长达六十年的职业生涯中亲身经历了摄影的思想及技术的变革。 随着媒介的发展，他对摄影的理解和参与度产生了怎么样的变化？

布林达·库玛：里希特对摄影提供的媒介感兴趣。 他最早的绘画，在1961年叛逃到西德后，他的突破性作品就是他的摄影绘画。这些作品是基于照片而作的，但是绘画删去了摄影图像中特定的语境。例如，里希特使用的某些照片是希望你在复制、印刷的中报纸和杂志的媒体文化中看到。此外，他还通过通常不会广泛发行的家庭相册谈及了与摄影之间更紧密、亲密的关系。

里希特，《 Group of People（人群）》，1965年

里希特，《贝蒂》，1977年

希娜·瓦格斯塔夫：里希特一直将摄影作为他艺术的源泉，但自相矛盾的是，由于他对摄影本应具有的描绘或捕捉现实感的能力深表怀疑，他也把摄影当作绘画的箔纸。

布林达·库玛：里希特收集了许多他在《地图册》（Atlas）中发现或拍摄的照片。这不仅是源图像的集合，而且他还可以以此进行空间实验。正如里希特谈到他的风景画创作方法时所说的那样：“我看了无数的风景，但在100,000个风光中仅拍摄了一张照片，并在100幅摄影照片中选择了一张来创作绘画。”他对摄影是有些怀疑地，认为它们既是记忆的载体，又是现实的反映。

希娜·瓦格斯塔夫：那是“一种对现实的反映”，但最终并非直接与真相有关。

里希特《 Atlas sheet 222, Rooms (detail)》, 1970年

瑞秋·海伊：希娜，在目录简介中，你将作品《Table（桌子），1962》和《September（九月），2005》称为里希特工作的重点。展览也以这两幅画以及玻璃作品《 11 Panes（11个窗格），2004）开始。 为什么选择这些特殊的作品来作为打开展览和图录的方式？

希娜·瓦格斯塔夫：这些作品代表着艺术家实践的三种方式，或是指示性的贯穿整个展览（包括图录）的方式。

里希特，《Table（桌子）》, 1962

在出版物中，《Table（桌子）》是里希特的第一件作品。他声称这是他的第一部成熟作品，并且销毁了之前的大部分作品。《Table》更具实验性，由于桌子与摄影的关系，看起来与他以前的绘画有所不同。这件作品起源于杂志上印制的一张现代桌子的照片。这幅作品不是对摄影的崇高敬意，而是对摄影在任何图像流通中的重要性的承认。疯狂地用手去擦画布也使《Table》成为令人不安的图片，因为它使我们的注意力集中在对消除的暴力表达上。就像绘画般的动作正在破坏我们所观看的摄影图像。

里希特，《September，（9月）》，2005

第二张图片是众所周知的，《September，（9月）》 是在911之后的四年创建的，它对纽约人以及世界其他地区都有特殊的共鸣。这张作品的影响是我们所见证到的，图像充满了沉重的象征意义和惊人的共鸣。由于它在媒体上的普遍性，它可以立即被识别，并且它在事件、社会学和政治上及时标记事件的功能变得非常复杂。当911事件发生时，里希特正在飞往纽约的飞机上，他的个人经历可能激起了他长期以来试图以适度比例的摄影和绘画图像进行渲染的尝试。

里希特的玻璃及镜子作品

里希特的玻璃及镜子作品则是迄今为止最重要的。这些作品都具有伟大的绘画传统，从委拉兹开斯（Velázquez）和提香（Titian），一直到巴尼特·纽曼（Barnett Newman）和克里·詹姆斯·马歇尔（Kerry James Marshall）的元素都被采用到了。我们与绘画及反射的关系让我们可以看到自己牵涉到艺术品的绘画空间中。我们的图像在展示里希特的玻璃碎片中反复出现或反射出来时，里希特的镜子得出了合理的结论。最终，里希特的作品是关于绘画和绘画的传统。 相比摄影，站在一幅绘画前存在更多地奇异的地方，并与我们的现实生活息息相关，而摄影没有。因为摄影总是记录着记录的那一刻-逝世的瞬间-死亡。正是这种悖论深入到里希特的作品中，才使图像得以继续存在并变得有意义。

委拉兹开斯 《Las Meninas》, 1656年

巴尼特·纽曼作品

瑞秋·海伊：在大都会博物馆的这次展览是近二十年来里希特作品在美国的第一次大型展览，也是在布鲁尔分馆的最后一个展览。为什么重新审视里希特很重要，这次展览及图录是如何体现大都会艺术博物馆对当代艺术的关注？

希娜·瓦格斯塔夫：这些问题有很多答案。 考虑到在美国当前还不太了解的不同类型的历史，布鲁尔在计划上作出了协调和努力。我们还重新审视了我们认为已经知道他们作品的艺术家，例如爱德华·蒙克（ Edvard Munch），马斯登·哈特利（ Marsden Hartley），甚至是格哈德·里希特同辈的艺术维哈·塞尔敏（ Vija Celmins）。

同时，我们还举办了实验性主题展览。 2016年的展览《未完成（ Unfinished）》和2018年的展览《 像生活那样（ Like Life）》都是这类展览的很好例子，这些展览体现了现代和当代艺术与艺术史的深厚渊源。

布林达·库玛：该展览继续了对主题方法和艺术家职业生涯的深入研究。里希特的作品集中体现了对艺术以及他的绘画可能性的不断研究。 我们也得此特殊的机会介绍他的作品，或是重新介绍给包括画家在内的年轻一代。 正如展览所展示的那样，里希特在过去的二十年里一直是多产的艺术家。展厅中心的两个系列“Cage（2006）”和“Birkenau（2014）”可以追溯到这一时期。这是一个思考其整个职业的机会，并分享一些特定的重点。

“ 比克瑙（Birkenau）”照片到完成的过程

里希特，Cage系列作品

希娜·瓦格斯塔夫：里希特是一位艺术家，他在抽象和绘画写实方面都拥有非凡的实力。他一次又一次地运用媒介。是的，他是众所周知的，但是他作品的商品化已经受到了市场的操纵，以至于完全掩盖了他艺术作品中真正的卓越范围。他对此感到绝望。他的作品不仅对现在，而且对整个世纪以及更广阔的世界艺术史都具有重要意义。

在过去的五到十年中，包括亨利·泰勒（Henry Taylor），伊黛尔·阿德楠（Etel Adnan），塞西莉·布朗（Cecily Brown），朱莉·梅雷图（Julie Mehretu），乔丹·卡斯蒂尔（Jordan Casteel）和达娜·舒兹（Dana Schutz）等其他艺术家，都重新认识了绘画的重要性。这些艺术家，包括其他一些艺术家，都在期待着里希特。他们也许不会直接跟随他的脚步，但不可否认的是，他作为代表性艺术家的地位正处于他的黄金时期。我们希望展览（包括图录）能与一位伟大的大师进行一次精致的相遇。

（本文编译自大都会博物馆官网。）

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