亚洲艺术中心的展览“陈文骥·马树青”是一次漫长的，跨越了几十年的相见。两位艺术家选择以小尺幅作品，撑起偌大的展览空间，这是主动给予创作巨大的挑战。跨过大相径庭的人生经验、学习背景，在同一个空间里，通过展示他们从不同路径迈入抽象艺术的作品，展开一场沉默、内敛又饱含深意的“对话”。

01

一场空间实践的“共谋”

在“陈文骥·马树青”的驱动下，亚洲艺术中心（北京）空间变化得悄无声息。艺术家做展览，总显得有些“被动”，这次，两位艺术家掌握主动，从各自的美学态度出发，呈现对抽象艺术的整体性思考，实现了一次空间实践的“共谋”。

亚洲艺术中心（北京）展览现场

陈文骥《那偏钴蓝的...》

布上油画、喷罐漆 33x50cm 2023

陈文骥《那偏钴蓝的...》（侧面）

马树青《无题 Whi.白a1-a3》

铝板丙烯综合媒介 56x51.5cmx3 2023

马树青《无题 Whi.白a1-a3》（局部）

陈文骥与马树青对空间的考量可谓事无巨细：大到拆墙打洞，绘制和反复调试展陈设计，考量作品与空间的互动关系；小到作品高度与整体布局，细微之处，还遍及发生在作品间的“私密对话”……均是二人亲力亲为、反复考量、谨慎布局后的结果，展览的完成度，不亚于一件醇熟的作品。

几乎所有作品都是2021年至今的创作，没有一张大画幅作品，然而，画幅的小绝非偶然，而是出于共同的艺术立场。小作品能改变观者的状态，随着观看状态的更改，空间也对作品产生新的视觉效应。陈文骥这样形容，大作品总是伴随喧闹，小作品却一定意味着“个体成功”，也更沉默。

亚洲艺术中心（北京）展览现场

为此，亚洲艺术中心调整原有空间结构，使得空间更通透，更纵深，更具召唤性，希望为观者提供一个安静、疏离、预留气口的空间质感。陈文骥制造的微妙色彩过渡，荧光便签隐藏在画作背后，题目与画面一起谋划文字游戏；马树青作品中环氧树脂的色泽变幻，边缘丰富的材料质感与层次处理……小画幅并不意味更少的内容。

不拼力气，不比拼谁更强悍，抽象绘画在空间中发挥实际效应，有哪些手段和表达的可能性？在这样一个大型的“小画”展里，亮出的是两位“高手”的内功。

陈文骥《那在银之上的朱红色》

木板上喷罐漆 20x38cm 2021

陈文骥《那在银之上的朱红色》（侧面）

马树青《D2023-07》

木框树脂 直径20cm 2023

马树青《D2023-07》（局部）

有趣的是，作品以“乱序”交织呈现，注意力不再是“某人”之作，观者可以更沉浸、更客观地对待作品所传递的视觉效应。艺术家期待观众通过更主动的甄别，建立自己的观看立场。

挂画的高度也有考究，配合小尺幅作品与空间的关系，陈文骥希望作品位置低于一般展览的视线，最终将画的上边沿位置定在1.7米高。这一数据来自陈文骥的反复试验和推敲。曾经留学德国的马树青笑称，合作中常能感受到陈文骥的严谨和精准，很有“德系”风范。

陈文骥《那是：粉土红+褐色》（左）

《那是：白+白》（中）

《那是：灰+粉》（右）

马树青《A2023-10》

木板丙烯综合媒介 直径50cm 2022-2023

陈文骥确实偏爱德国的艺术精神，他喜爱贝歇夫妇的“类型学”摄影，为编写教材进行创作的德裔欧普艺术家阿尔伯斯。他欣赏艺术家的工作模式，理性胜于感性，相比创作，更像是工作。“马树青作品里面也有类似的痕迹，所以我希望展览呈现上，有感性的痕迹，但最终是有理性、有次序、有限度的。”陈文骥说。

贝歇夫妇《水塔》

摄影 40×30cm×15 1982-2009

他们同样意识到，抽象艺术重要的不止是作品，借此展览机会，得以强调他们基于空间实践的艺术立场。这是与过去展览最大的不同，也是陈文骥口中“一个共谋的工作过程”的目标——打破某种惯例。

02

缘起“抽象”

1987年，陈文骥与马树青几乎同时以具象风格在油画界崭露头角，跨越30余年，他们各自在创作中不断做减法，走向绘画性的极致。都是科班出身，教育背景一东一西，人生经历一动一静，走向可谓大相径庭，理性与感性、向内与向外、疏离与在场。

陈文骥在展厅

马树青在展厅

都是50后，陈文骥比马树青大两岁。陈文骥出生于上海，马树青是天津人。1978年，陈文骥从中央美术学院版画系毕业后留校任教，直至2014年退休，在自我的世界里耕耘创作，不管愿与不愿，愈疏远人群，却愈引人注目；马树青1976年从天津工艺美术学校毕业，80年代末赴德学习自由绘画专业，90年代中期移居巴黎，直到2003年定居北京。

1990年马树青在慕尼黑美术学院教室

马树青在德国慕尼黑美术学院的导师

艺术家杰瑞·翟纽克 (Jerry Zeniuk)

缘分其实早已启动，被艺术立场逐渐加深。1987年，他们都参加了中国第一届油画展，双双提交了自己早期的具象绘画作品，双双获奖。那时起马树青注意到了与众不同的陈文骥。“和其他中国油画家不一样，他已经进入了形式化的探索。”马树青回忆道。

围坐桌前回忆过去，陈文骥显然对年份和数字，对客观性的标记更敏感，谈话里，经常是陈文骥抛出具体数字，再由马树青生动地还原起当年现场。2012年，他们又在中国美术馆举办的“在当代·2012中国油画双年展”上碰面。

陈文骥《那样-红B》（左）

《那样-白+蓝》（右）

马树青《A2023-01》

布面丙烯综合媒介 65x32cm 2022-2023

马树青《A2023-01》（局部）

那次展览经历，马树青对陈文骥严谨的创作态度印象深刻，尤其当他知道陈文骥在家里建了一堵墙，1：1还原了中国美术馆的展墙角度，他颇为震惊。“这次展览的合作，每天都可以感受到他严谨的风格。”马树青说。

创作理念日趋接近，注定了缘分远未结束。马树青与陈文骥也逐渐在展厅外发展出友谊，聊天投契，生活节奏接近，连“怪癖”也有些类似，他们都无法忍受“外人”踏入工作室半步，都与助手无缘，凡事亲力亲为。

陈文骥《那是：泛红的边缘》

铝塑板上油画、丙烯、喷灌漆 40x50cm 2022

陈文骥《那是：泛红的边缘》（侧面）

马树青《D2023-03》

木框树脂 直径20cm 2023

马树青《D2023-03》（侧面）

一个趋向理性，一个趋于感性。一个安居一隅，和外界若即若离，纯粹为自我而探寻艺术；一个游走世界，将向外探索为驱动力，完成自我艺术革新。最终殊途同归，以各自的姿态向绘画性的边界挺近，直至抽象艺术世界的尽头。以惊奇的沉默，掷地有声的内敛，宁静却暗涌的方式，他们在同一个展览的同片空间里相遇。

03

色彩、材料、边界与观看

进入展厅，后工业气质的荧光色彩立刻跃入眼帘。对陈文骥来说，每次色彩更新，更像顺应自我波动的顺势而为；对马树青来说，每一种颜色都有它的使命与可能性。

长期以材料和色彩为媒介进行抽象研究，时隔多年，马树青开始触碰纯度更高的色彩，他发现画出像糖果一样的色彩，反而需要付出更大的努力。尝试没有界限，只因所有尝试都发生在非常严格和精准的自我控制中。

亚洲艺术中心（北京）展览现场

马树青《Z2023-06》

铝板丙烯综合媒介 56x51.5cm 2023

马树青《Z2023-06》（侧面）

陈文骥则全盘接受自己被某种颜色吸引。“我以前的作品都以黑白色系为主。为什么我会受到一些色彩的影响？我想，我必须再深入进去，多‘吃’一口，比别人更多尝一尝‘甜’的滋味。哪怕‘吃’到自己受不了，到极限时，我相信会出现新的某种有力的反应。”

在陈文骥心里，艺术家总会不由自主地投入到人们否定和抵触的境地，并独自承受这一过程。他自己也意识到，2022年用的颜色，很不像过去的陈文骥。当2022年需要用色彩进行自我解困时，那种夺目的“芭比粉”便出现了。

亚洲艺术中心（北京）展览现场

陈文骥《那灰之上》

布上油画 48x38cm 2022

陈文骥《那灰之上》（侧面）

没有一种颜色是陈文骥的“符号”，有的艺术家使用色彩背后的文化与社会属性，陈文骥则是用色彩完成自己。颜色能让他感到轻松一点，理由就已足够。就像陈文骥此次展览的作品大量采用弧形图案，一方面是对展览作品的综合考量，另一方面是现阶段的个人表达——他需要一种柔软、饱满的状态，例如一道富有美感的弧线。

令人感官愉快的色彩，由材料进一步强调出物质性，陈文骥和马树青的艺术实验同样在材料上探索绘画的边界。陈文骥用绘画呈现思维方式，呈现一次实验过程的结果和价值；马树青则在概念表述与材料的张力间，进行没有终点的推进。

1973年陈文骥（左一）在上海江南造船厂工作期间

2019年陈文骥在工作室

陈文骥年少时曾在一家百年工厂工作，从小成长在带有中国工业化开端特性的美学因素中。纸板、纤维板、木板喷漆、铝塑板、金属喷漆，工业美学对陈文骥发挥着特殊力量，在他眼里，它们像拥有生命。

马树青则将作品与材料的关系，形容为概念与具体的碰撞。具体是指材料，材料进一步引发方法。在铝板、环氧树脂和木头之间的材料实验里贯彻他的方法，当多彩的环氧树脂如同树干切面般，与木工打造的木托连接在一起，激发出某种物质占有空间过程中的别样效应。

空间意识、色彩与材料，陈文骥与马树青探索抽象艺术的立场，都源自对绘画边界的敏感与研究。在马树青看来，绘画与电影和声音艺术不同，绘画具有与世界同时的线性时间，也让它永远处于未完成时和敞开态。绘画重要的不是结果，而是过程。

陈文骥《那样-紫》

布上丙烯 24x30cm 2023

陈文骥《那样-紫》（侧面）

马树青《A2023-12》

布面丙烯综合媒介 47x47cm 2021-2023

马树青《A2023-12》（侧面）

“一件作品的完成时刻，就像临门一脚，没有人真正能够决定一幅画的结束。不用再担心画坏一件作品，因为它随时可以被覆盖。”就像马树青独树一帜的抽象实验，颜色层层覆盖，只有关注边缘，观者才能想象这幅画的过去式。

这是平面绘画特有的“边缘”，看得见的边框，帮助创造看不见的场域。用可见的部分，使不可见的部分让人看见，包含着无穷的创作乐趣和哲学。绘画意味着限定，限定也意味着创造自由。

亚洲艺术中心（北京）展览现场

“陈文骥·马树青”给出了精巧的限定，希望把选择观看立场的自由还给观众。这是陈文骥对“看见”的思考。“沉默在绘画里是非常重要的，绘画可以处在一种通往感觉，但永远达不到结论的阶段。”

只有拥有“见”的愿望，拥有自己思考方式甚至观看方式的人，才能慢慢形成“见”。这也是展览题目“陈文骥·马树青”的缘起，他们希望通过展览，建立一种“看”的渠道，这里没有任何要素提供解释、定义与联想，只为观者能够真正懂得“见”的价值和意义，完成自己的观看立场。

文字｜刘筱雯

图片｜亚洲艺术中心、陈文骥、马树青