城市展览多元丰茂。
踩着探展的节奏，YOU成都一直步履不停。
毋庸置疑，策展角色正在发生根本性改变。
从传统博物馆到先锋美术馆，从社区咖啡馆到街头快闪，从大型商场聚落到策展型零售，策展钻进不同尺度的场景，从幕后到主角，成为典型语言。
策展生态在发生怎样的变化？它们将为城市带来哪些改变？我们不敢贸然评论，正在试图向不同维度的策展人提问。第四期，我们来到了知美术馆，探访了展览“消失的展览”，并与策展人宁文聊了聊天。
3位艺术家，4件作品，这是一场展览的全部。
2022年4月，对于第一次走进知美术馆“消失的展览”的观众来说，这也是她或他看见的全部。同期，持续8个多月的“超融体——2021成都双年展”，8个主题版块囊括506件/组作品，17个平行展共890件/组作品，平均每一场平行展展出52件/组作品。
先不论博物馆。的确，美术馆筹备、落地一场展览，花费的时间长则以年，短则以月来计算，展出作品的体量往往从数十件到百件不等，更甚者高达上千件。
当我们习惯接受并享受“艺术之饕餮”，3位艺术家，4件作品，单是体量、规模上看，着实没有亮眼的数据来支撑、吸睛。作为观众，甚至有一种被挑衅以及被戏弄的感觉。
2023年7月，“消失的展览”迎来第四幕，这次又撞期“时间引力——2023成都双年展”，同阶段，成都全城的艺术展览呈现喷发式状态，令人应接不暇。或许，正因体量、规模的悬殊、差异，使得“消失的展览”有了别样的新、奇风格——小巧、灵活、新颖，无论对艺术家、作品形式的选择，或回到最初是基于现实经费预算的考虑。
敞亮的三楼，暗哑的地板，长方形的落地窗户外从那头到这头，外面是老君山山谷的景致，繁盛的绿植、西斜的阳光，倒映的水纹铺打在透明的窗玻璃上，粼粼，点点。
作品在哪儿？有的观众把脑袋晃动成一支摇杆；有的走到空间尽头盯着玻璃向外望——或许，藏在了外面的某处……
这是“消失的展览”里时常发生的事——来看展的观众，却“看不见”作品本身。
如何运用有限的经费，在成都市区西南约40公里外老君山脚下——这座由国际建筑大师隈研吾设计的美术馆，续接《一把椅子，》做一场新的展览？
这是知美术馆馆长王从卉、策展人宁文和团队最开始面对的挑战，此外，这也是知美术馆在花样年危机后的首次“发声”。
宁文首先考虑的现实问题是空间。上场展览《一把椅子，》展期结束，展出作品已经陆续撤出美术馆，场地的限制摆在眼前。
·“消失的展览”第一幕。《柱子》，熊佳翔，2022，成品布、缝线，400x94x94cm。摄影/GAN
既然经费、空间有限，限制了展览作品的体量，那不如用一种“游击战式”——更小巧、更轻便、更灵活的轻体量展览方式。
什么样的概念能轻盈地承载基于现实、创作两方面的考量？
·“消失的展览”第一幕。《X(折叠系列)》，刘国强，2015-2018，综合材料，120x120cm。摄影/SUNRULAN
沿着空间的脉络思考作品跟隈研吾所设计的这座美术馆空间的关系，宁文提出了“消失的展览”概念。她希望通过这场小规模、作品数量少的展览，尽最大可能表现作品内涵与美术馆建筑的张力，去思考、去感受什么东西在消失，消失的是什么？
“消失的”的阐释可以是多重的：人与人之间古典主义的人情冷暖关系在逐渐消失，被电子设备取代的社交关系在消失，人和人在真实空间里产生的温暖也在消失。
回到展览，每期身处不同展览空间的作品在消失，可能是摆放在美术馆外草坪上的一件装置，也可能是负一楼墙面上挂着的一幅画。
·“消失的展览”第一幕。《脆弱之间二号》，张琪凯，2021，石头、铜，98x78x167cm。
·“消失的展览”第一幕。《石骨》，张琪凯，2021，白沙、石头、树枝，可变尺寸。
观众漫步空间里，其实，不能注意作品每一次的消失，哪怕作品就在眼前，可能都没有意识到这就是作品。消失正是这样，通常是在不经意之间，这才是更为真实、真切的“消失”。
的确，一切在消失、在破坏，甚至更多；一切是隐匿的，一切是不为人知，这就是“消失的展览”。
剥离掉多余信息的茧壳，观众也将重新去理解隈研吾的建筑理念，重新观看、感知、体验美术馆空间——知美术馆建筑自身就是一件作品。
“消失的展览”始于一个迫在眼前的挑战，至今，已经进行到第四幕，每次挑选2至5名艺术家，每位艺术家仅1件至2件作品，在规避无内容的潮流、商业展览外，尽量保持着相应的学术水平。
虽然每一幕作品件数非常有限，但是，整个展览颇具戏剧演出式的分场保证了展览的系列感，使得展览整体的作品体量得到了程度上的提升。
宁文和团队开始没有想做成系列，整体的规划也没有想得足够长远，起初不过是临危受命。然而，通过第一幕、第二幕的观众、票务的良好反馈，以及馆长王从卉的全力支持，“消失的展览”已经进行到目前的第四幕，后续阶段，还将会有第五幕、第六幕。
对于这样轻体量的展览，经费、空间以及人员等条件有限的情况下，策展人宁文更偏向有潜力的青年艺术家，或与美术馆空间契合的艺术家。青年艺术家尚未得到市场的普遍认可，对宁文来说，这也是策展工作令人兴奋、新鲜的地方：去发现一位喜欢的、欣赏的艺术家，然后，不遗余力地把他们带到公众面前。
发掘艺术家的过程使宁文快乐，这份快乐也等同把不太为大众接受的艺术形式推进公众视野。因此，“消失的展览”选择合作的艺术家，大部分是装置艺术家、观念艺术家和声音、行为艺术家，绘画艺术家相对选择得少。
这是出于执行层面因素的考虑，知美术馆的空间呈三角体，墙面均采用玻璃材质，光线通透、明丽。传统意义上来讲，明暗可控的负一层更适配绘画展览，其他楼层不太适宜。
除此，还有一点更重要的是装置、观念、声音、行为类型艺术家的作品在美术馆、画廊里面展出的机会相对较少，而且，往往较难售卖。所以，王从卉和宁文想给这些艺术家更多的展示和曝光。
·“消失的展览”第二幕。《五蕴·序》《鼓音》《鼓声若响》，音乐人、制作人为陈志鹏。
正因这样，“消失的展览”可能是一个兼顾艺术理想、客观现实的大胆尝试。
于是，观众看见了空荡的第三层楼，天花板上悬垂下来的白幕布，许多观众没有意识到它是一件作品，这是来自第一幕的艺术家熊佳翔的作品，名字为《柱子》。同一场，还邀请了刘国强、张琪凯，共三位当代艺术家。
三位艺术家的作品分散在美术馆的不同空间，不管是显眼的、隐蔽的，它们共同的特点都是“看不见的”。刘国强的作品《X（折叠系列）#1》，看起来像是一张普通的被旋转、折叠的“纸雕塑”生长在展墙上。
张琪凯的两件装置作品《石骨》《脆弱之间二号》分别放在了负一层和二层玻璃幕墙的三角夹角处。尤其是《石骨》放置在极为隐蔽地下空间，空间光线晦暗，仿佛是一个“洞穴”，因此，观众找寻作品的过程本身就十分有趣。
·“消失的展览”第三幕。《公寓-C》，李钢，2018，石膏、稻草、泡酒、钢铁；雕塑：85x62x22cm，地毯：110x66cm。
时隔一个月，紧接着第一幕的尾巴，“消失的展览”第二幕正式开启。展览邀请了邓筱，其装置作品《奇点》突破了美术馆的限定空间，置于馆外的草坪上。另外，宁文在声音艺术上和陈志鹏也进行了尝试与合作。
第三幕，卜云军、李钢、杨淞带来了《无题》系列和《红移》《元音-B》《公寓-C》。
·《元音-B》，李钢，2018，旧陶器、钢铁，90x90x45cm。
·“消失的展览”第三幕。《红移》，杨淞，2021，不锈钢板钢丝，197x197x9cm。
·“消失的展览”第三幕。《无题2022.6.10/无题2022.5.15/无题2022.5.28》，卜云军，2022，木板水墨，140x110cmx3。
第四幕，特邀经傲、马漓澧、觉然、李舜、薛若哲五位青年艺术家，《朝露》《基体No.6》《三植物解决方案3》《格物致知-般若波罗蜜心经》《YYYY-MM-DD》，其形式包含声音、绘画、摄影、互动装置等。
·《三植解决方案》，觉然，2023，植物、电容传感器、激光切割金属板、电脑、定制音频软件、扬声器，尺寸可变。
借由老君山怀抱的自然环境以及美术馆里的“消失的展览”，宁文探讨了人与万物、与自然、与世界的联系，而每一件参展作品都脱离不了——与美术馆的建筑、与隈研吾的建筑理念和建筑特点发生关系。
·“消失的展览”第四幕。《基体No.6》,马漓澧，2023，布面丙烯，100x120cm。
艺术、建筑，在消失的过程里，相互重新激活，重新被看见，被感受，被体验。至于，观众能否找到这条体验的路径，就看能不能在知美术馆这座若大若小的迷宫里找到藏在明处、暗处的线索。
·“消失的展览”第四幕。《YYYY-MM-DD》，薛若哲，2022，亚麻布丙烯，50x40cm。
“消失的展览”第四幕。《格物致知-般若波罗蜜心经》，李舜，2014，摄影，手工宣纸艺术微喷，220x80cm。
·《格物致知-般若波罗蜜多心经》局部，李舜挑出无规则的线条，并将其仿照字典做成汉语偏旁部首的形式。
年度艺术活动盛事，充足的经费预算，这对每一座美术馆及艺术空间来说都是极为理想的状态。而回归日常，经费的紧张、艺术家的协调、作品的商业价值与学术价值的平衡，这是艺术空间及策展人要面对的现实。
在重重的问题与细琐面前，该如何在有限的经费里策展来保障空间内容的持续更新？
在展览不被潮流化、商业化，保持其一定学术价值的前提下，该如何选择合作艺术家及艺术作品？
“消失的展览”，或许，提供了千万次尝试里的其中一种可能。而第五幕、第六幕会是什么样的形式来到观众面前，宁文说，自己也不知道。
现实，是千变万化的。
展览信息
● ● ●
编辑丨欢歌